松井冬子展をみてきました。

ずっと、展覧会などの感想も書いていなかったので、久しぶりに記録しておこうかと・・・

横浜美術館で、2012/3/18まで開催されている、「松井　冬子　展　世界中の子と友達になれる」を見てきました。

何年か前、今回の展覧会のサブタイトルにもなっている「世界中の子と友達になれる」という作品をみて、印象に残っていて、その後、ときどき見聞きするようになった日本画家なので、見に行ってきました。

精神的な世界を表現しようとしているのはわかるものの、 全体的に不気味な感じのするものが多いです。

ルドンやムンクなど比較的不気味な感じの作品は好きなものの、痛みや鬱屈した情念のような内面にあるものを、さらけだすような意味合いで内蔵が描かれたりしているところが、あまりに直接的というかグロテスクで私の好みではありませんでした。

また、デッサン画なども、かなり緻密に描かれたものも展示されていましたが、なんか惹きつけられる感じがしませんでした。
特に人物の肉体的な表現はバランスが悪い感じがしました。それも狙いなのかもしれませんが。

とはいっても、
「世界中の子と友達になれる」の他にも、「ただちに穏やかになって眠りにおち」、「この疾患を治癒させるために破壊する」などは、不思議な静寂感と多少の不気味さのある世界が描かれていて、いいと思いました。

最近の現代アートとの関係もあってか、言葉による表現と画との対応が無理やりというか強引な感じがして、タイトルも、絵の説明もなんだか意味がよくわかりませんでした。

ドガ展をみてきました。

横浜美術館で行われている、ドガ展を見てきました。

踊り子の絵や競馬の絵が有名だと思います。今回の展覧会の目玉も、エトワールというバレリーナを描いた非常に代表的で有名な作品。

横浜ということで家から近く、ドガの絵は、美術館などで時々目にするものの、まとまった形で見たことは無かったので観ることにしました。

展示は３章構成
1章は古典主義からの出発、ということで初期（50～60年代）の頃の素描と油彩の作品を中心に展示されていて、
2章では、実験と革新の時代、ということで、エッチングやリトグラフ、パステル画なども含め、肖像画と風俗画を融合したことを特徴とする作品などが展示されていました。
最後の3章では、綜合とさらなる展開として、裸婦や踊り子などのパステル画やそのための素描、写真などや、アトリエに残された蝋の彫刻から作ったブロンズ像や、パレット、帽子、バレエシューズなども展示されていました。

資料的な価値として、3章のブロンズ像やパレットなども興味深く感じましたが、今回は展示の目玉である、「エトワール」がやはり一番良い作品というか感動できる作品だと思いました。
照明の具合や展示の仕方の効果もあると思いますが、とても奥深い色合いを感じ、画面を構成する色彩自体がとても綺麗に感じられました。
また、最初の方で展示されていた素描が、とても細かく描きこまれていて服が体を覆う感じや襞の様子が自然な感じでとても良く伝わってくる素描だと思いました。特に青色の紙にハイライトを加えている素描も素晴らしさを感じました。

他に、綿花工場の様子を描いた作品や肖像画、裸婦などにも独特の雰囲気をもっていて惹きつけられるものがありました。

オルセー美術館展2010を観てきました。

国立新美術館で開催されているオルセー美術館展2010［ポスト印象派］を観てきました。

オルセー美術館というと、日本人にも人気の高い印象派などの近代絵画を多数揃えた美術館。これまでも何回か、国内でオルセー美術館の展覧会もありますが、今回は115点が展示され、これまでの展覧会と比較して倍近い数だそうです。
個人的にはピカソ以降というか芸術の中心がパリから米国に移っていったとされる頃の作品に好きなものが多いのですが、印象派より現代に近いポスト印象派とタイトルにあるし、今回はオルセー美術館の印象派の展示室改修に伴い多数の作品が巡回し、日本初となるものも多いということなので、観てみようと思いました。

展示は割と細かく分類されていて全部で１０章、印象派を経てそれぞれが独自の特徴や画風を模索した自体らしく、主に作家別に分けられたような構成でした。
順に
１章は、ポスト印象派世代の画家が登場してきた1886年に開かれ最後となった第８回印象派展の作家から、印象派展を始めたモネやピサロをはじめとする印象派を中心としていて、モネの作品が５個とドガやシスレー、ピサロなどの作品が展示されていました。
２章はスーラと印象主義と題して、最後の印象派展にピサロの推薦を受けて出品したスーラやシニャックの作品を中心としていて、点描画の良いものを多く観ることができます。
３章はセザンヌとセザンヌ主義ということで、セザンヌを中心に、その影響を受けたゴーギャンやピカソなどの作品が展示されていて、
４章以降は時期的にも印象派展以降のものとなり、４章ではロートレックということでロートレックの作品３点を、５章ではゴッホとゴーギャンということで二人の特徴的な作品をみることができます。
６章ではゴーギャンが訪れたポン＝タヴェンというブルターニュ地方の村で出合った平坦な色面に強い輪郭線といったクロワゾニスムという手法で描いていたベルナールをはじめ、ポール・セリュジェなどの作品が展示され、
７章ではナビ派と題して、セリュジェやドニらが結成したナビ派の作品が展示されていました。平面的な色彩や装飾的な画面が特徴的で、縦長の作品など、日本の浮世絵の影響を感じられます。
８章で内面への眼差しと題して、ナビ派でも、作品の題材を日常に求め、家族などの集う和やかさだけでなく、心理的葛藤や孤独など感情を表現し、親密さを探求したボナールやヴュイヤールなどの作品や、眠りや瞑想といった主題などにナビ派への影響が感じられる、モローやルドンなどの作品が展示されていました。
９章では、独学で独自の空間表現や色彩効果のある作品を残し、ピカソらに賞賛されて、後の作家に影響を与えたアンリ・ルソーの作品が２点
最後の１０章では装飾の勝利と題して、ナビ派が幅広い造形活動に携わることによって、絵画と応用芸術の垣根を取り払おうとして、装飾や壁画を問い直そうとして作成された室内装飾画など規模の大きいパネル画が展示されていました。

人気のある展覧会なようで、わりと混んでいて、落ち着いてみにくいところもありましたが、スーラの作品やシニャックなど多数の点描画をみることができ、その独特の雰囲気と色彩の明るさが印象に残りました。個人的には、抽象表現主義のような大型の平面作品が好きなものの、あまり装飾的なものは興味がないこともあって、良い作品が多数展示されているとは思いますが、好きな作品はあまり多くなかったのが少し残念でした。最も、展示概要から予想はしていましたが。

とはいえ、今回見た中で目を惹くものも多く、
ゴッホの「星降る夜」は夜空の星と街灯や水辺に映る光が独特のタッチで表現されていて、荒い筆触で描かれた夜景のような全体が暗いものを描いたものはあまり覚えがなくて印象的でした。
ルドンの「目を閉じて」は、瞑想する女神のような顔（綺麗な顔立ちというわけではないが）にどうもひきつけられてしまいました。水平線のかなたに画面いっぱいの半身なので非常に大きいことになりますが、その不自然感も含め、ルドンらしい奇妙さと内面を探るような作品だと思いました。本などで見かけても、それほど興味を惹くものではなかったのですが、本物はとても良かったです。やはり大きさとか実際の色あいやタッチなどから印象が大きく異なるものだと思いました。
モネの「ロンドン国会議事堂、霧の中に射す陽光」は靄に低い位置の陽光が射して赤靄に包まれた、まさにその印象を描いたようなもので、こういう全体がぼやっとしていて微妙に色彩が変化する絵が好きなので、とても惹きつけられる作品でした。

また、モローの「オルフェウス」やルソーの作品も気に入りました。

見所としても、
ドニのセザンヌ礼賛など、美術史的にも展覧会的にも重要と思える作品がたくさんあります。

阿修羅展をみてきました。

先日（4/17）東京国立博物館で開催されている「興福寺創建１３００年記念　阿修羅展」を見てきました。

その憂いのある少年の顔と三面六臂の独特の姿でとても有名な阿修羅像は、私も好きな仏像のひとつ。その仏像が見られ、同時に興福寺にある八部衆と十大弟子の仏像が露出展示されるとのことで、普段は興福寺までいってもガラスケース越しに、ほぼ正面からしか見ることが出来ない仏像たちを良くみることができるそうなのと、知り合いからチケットをもらったこともあったのでで観に行ってきました。

展示は、3章構成。
第1章は「興福寺創建と中金堂鎮壇具」、興福寺の中金堂基檀中から出土した、創建時に地鎮のために埋納されたと考えられる鎮壇具類を最近の発掘調査での出土品も含めて展示されていて、ケース越しの展示と、水晶筒や唐草文鋺などいくつかのものは、薄型テレビによりハイビジョンでの説明もありました。
第2章が「国宝　阿修羅とその世界」、第1章の展示室から移動していくと途中に、国宝の法隆寺阿弥陀三尊像とその厨子、華原磬（金鼓）、などがあって、次の部屋に入ると右側に十大弟子像が、左側に八部衆像が並んで展示され、その部屋を出ると、阿修羅像がスライドショーされている手のひらサイズの画面画並んだトンネルがあり、それを抜けて進むと阿修羅像を拝顔できます。阿修羅像は高めの位置と、像の近くを回りこんでみることが出来るようになっていました。
第3章は「中金堂再建と仏像」、展示室に入ると、 見上げる大きさの持国天をはじめとする四天王像があり、その先に、さらに大きな薬王菩薩像。その隣には薬上菩薩像があって、他に、釈迦如来像頭部などが展示されています。最後の部屋では、VRシアターとなっていて、興福寺中金堂を再現した場合の様子や、阿修羅像を大型スクリーンで上映していました。

最初の宝物類は国宝だらけで、資料的にもきっと非常に価値の高いもののように思われます。しかし、奈良時代といった昔に、水晶を緻密に切り出したり、装飾を施した杯などをどのように作ったかなど、考えると興味深いところもありますが、展示品自体はそのような技術や歴史的背景などを知らない私には価値がよくわかりませんでした。

法隆寺の所有する阿弥陀三尊像は伝橘夫人念持仏ということで、八部衆や十大弟子像、華原磬は光明皇后が亡き母橘三千代の一周忌供養のために作ったものだそうで、橘夫人とのつながりで特別出品されているようです。
この三尊像は比較的小さいのでケース越しで近寄れないこともあり良く見えませんでしたが、面長で角ばった顔の仏像で、背景などが細かく装飾されているような感じで、隣に展示されていた華原磬も竜の彫刻が優美な感じのする見事な鳴物だと思いました。

八部衆像はもともとはインドの神様なので、阿修羅像の三面六臂をはじめ、角や牙など人とは違った特徴を持っているものが多く、特に迦楼羅像は伝説上の鳥が神格化したものらしく、嘴や鶏冠を持っていて、とても変わった仏像で、この像は以前なにかでみて気になっていたので、見ることができてよかったです。
十大弟子はどれが誰かとかは書いてあるけど覚えられないのですが、それぞれ幼い顔をしたものから落ち着いた感じのものなど異なった顔立ちで、それぞれ、仏の道を歩む仏弟子たちらしい徳の高い僧といった感じがしました。
どちらも台の上に載せられて露出展示されているため、横に回り込んでみることができ、正面のほうからだけでなく、横や斜め後ろからもみることができ、普段はみることのできない方向からもみることができ、よりお近づきになれる感じでした。

阿修羅像は特に今回の目玉でもあり、阿修羅像のみで一つの展示室になっていて、部屋の片側のスロープを下りながら、部屋の中ほどに展示された阿修羅像に近づくようになっていて、やや高めの位置からみることができ、さらに、像の周囲どの方向からもみることが出来るため特に背面など普段見られないし写真等でもあまり見かけない方向からみると、像から受ける印象も異なり、いろいろな感じを受けました。
また、三面の顔は違っていて、正面の憂いのある少年の顔と比較して、両側の顔は表情が抑えられた感じですが緊張感のあるような顔に感じられました。
阿修羅像をはじめとするこれらの仏像はどれも、天平年間に作られたもので、表情が写実的で人間味が感じられました。（八部衆は人間ではないですし、鶏の顔していたりしますが）

中金堂を再建した際に移される予定の仏像たちは、鎌倉時代の作で顔立ちは私のもともとある仏像のイメージに近く、見慣れた顔つきの仏像だと思いました。
四天王は康慶作で、邪鬼を踏みつけ懲らしめている像はその大きさもあって迫力があるものでした。また、薬王・薬上の両菩薩像は３ｍの大きさとのことでしたが、台座の上に載っていることもあり、かなり大きい印象を受け、2対を並べてみると、薬師寺展でみた日光・月光菩薩像を思い出しました。今回のものは、木製で漆や金箔で仕上げているので、年数をへた痛み方や仏像としての印象はかなり異なりますが、控えめの照明のなかで見上げるほど大きい仏像2対が並んで配置されていて、どちらも荘厳な印象を受け敬虔な気持ちになります。

阿修羅像をVR技術によりデジタル化したものや、現存しない中金堂を再現したものを、ハイビジョンの4倍の解像度を持つシステムを用いて、300インチの大きいスクリーンで紹介していて、画像でみると阿修羅像の模様や細かい表現がよりわかりやすく紹介されていた。

流されている映像をみるだけだと、この場所を良く見たいと思っても次に写ってしまうところがあるけど、最近は解像度も高く、本物を見るよりも綺麗だったりするし、わかりやすく、しかも本物ではそこまで近寄れないようなところまで近づけたり違った見方ができていいと思った。

最初の展示室の宝物とかも、実際のものはガラスケース越しで良くわからないので、映像の展示のほうが印象に残った。
ただ、映像でみると本物を見るというありがたみが、どうも薄くなってしまうし、展覧会を観に行く醍醐味みたいなものが変わってきてしまうように思うけど、、、

平日の開館時間も延長されるほどなので、混雑状況から比較的好いていそうな時間帯の金曜の夕方を選びましたが、結構な人の数でした。宝物類はガラスケース越しにみるのですが人が多くて、少しずつケース越しに進むとすごく時間がかかりそうなので、仏像を中心にみて、閉館時間に近くなった頃に改めて宝物類をみたりして、結局2時間半ほどかけて、展示を3周してきました。

平泉～みちのくの浄土～展を観てきました。

世田谷美術館で今日（4/19）まで開催の特別展「平泉～みちのくの浄土～」を観てきました。

中尊寺金色堂西北檀の仏像十一体が堂内の配置のままに公開されるのと、みちのくを代表する仏像が展示されるということなので、見ておきたいと思い観に行ってきました。

入り口を入ると、平泉が全盛の頃の建物の配置などがわかる古図や中尊寺建立の願文などがあってその先の部屋に金色堂の仏像たちが置かれ、隣の部屋には、中尊寺の大日如来坐像や、岩手の天台寺のご本尊である聖観音菩薩立像や如来立像など、他にも東北のお寺から四天王などの仏像が展示されていました。
他に、毛越寺の阿弥陀如来坐像もあり、通常は常設展示の場所らしい、２Fの展示室では、入ってすぐのところに中尊寺大長寿院の騎師文殊菩薩半跏像と四眷属が置かれていました。
仏像以外には、藤原氏が築き上げた仏教文化の特に浄土思想に関連する当麻曼荼羅図や阿弥陀浄土図などの展示、金光明最勝王経金字宝塔曼荼羅図や金銅迦陵頻伽文華鬘をはじめとする中尊寺の宝物や、藤原清衡の発願により書写された金銀字一切経といった平安時代後期を中心とした中尊寺ゆかりの宝物や毛越寺や達谷西光寺の宝物、平泉地域の遺跡からみつかった平安時代後期の出土品、桃山時代や江戸時代に描かれたみちのく平定に関わる絵巻や坂上田村麻呂や藤原三代画像、平泉諸寺参詣曼荼羅図、金色堂の柱などの復元模型といった、貴重な資料や宝物が多数展示されていました。
また、中尊寺や毛越寺などに伝わっている宝印や版をはじめ、江戸時代や現代まで引き継がれている行事などに使われる品々や衣装の展示もされていました。

展示数としては、宝物類が多く国宝・重文90点以上を含め200点を越えていて、遺跡や平泉の歴史などに興味があれば、かなり見ごたえがあるように思う。

目的としていた金色堂の仏像は、印象より小さめでしたが、照明の関係か思った以上に保存状態が良く、しかも落ち着いた色合いでした。チラシの写真では金色の色味が強い上、良く光っているところと暗いところのコントラストが強くいかにも歴史を経てきた仏像といった印象でしたが、実物を見ると最近になって複製したような感じがするくらい、金色の輝きは控えめでしかも表面が滑らかで驚きました。金色堂内に安置されているときは、あまり近くまで寄れまないと思いますが、今回はケースに入れられていましたが、それなりに近づくことができ、横から見たりじっくり鑑賞できました。
また、騎師文殊菩薩半跏像と四眷属も、金色堂の仏像以上に保存状態が良く、色もはっきりしていて、まるで最近作られたもののようでした。
他に、天台寺の仏像は比較的大きいことや、ノミの跡を残し独特の風合いを持ったものや、素朴な感じの仏像で印象に残りました。
宝物類や遺跡の出土品はあまり詳しくないため、博物館でいろいろなものを見るのと同じ程度には興味深く見ましたが、どういう点がすごいのかなどは良くわかりませんでしたが、鉄樹や金銅五鈷杵など毛越寺の所蔵するものや、仏像のレリーフのような御正体、金銅迦陵頻伽文華鬘などの金色堂堂内具などはあまり見たことのないもので印象深く、金字宝塔曼荼羅は紺地に金字で一切経が宝塔の形で描かれており、信仰の強さや信仰対象としての曼荼羅のありがたさを感じられ、金銀字一切経は展示数も多く、経を大量に金銀字で書写するといったその信仰心などが印象に残りました。
他には、金色堂の柱を再現したものや、須弥檀も復元模型でしたが螺鈿の装飾がされ見事でした。

金色堂の仏像を見るのが主目的でしたが、天台寺の仏像など、印象深い仏像に拝顔することができてよかったです。

源氏物語千年紀 を観てきた。

そごう美術館で、3/29まで行われている展覧会、「源氏物語千年紀　石山寺の美　観音・紫式部・源氏物語」を観てきた。

紫式部が源氏物語を書くなど、紫式部や源氏物語と関連の深い古刹・石山寺の関連した宝物や、同寺の所蔵する源氏物語を題材とした絵画や工芸が展示されているということで、以前石山寺にお参りしたことがあったこともあり、観に行ってみることにした。

入り口を入ると、寺を開いた良弁僧正、および、紫式部の肖像が描かれた掛け軸、少し進んだところに、如意輪観音像があって、隣の区画には、石山寺縁起絵巻（模本）や仏像、水晶の小さい宝塔や両界曼荼羅などといった宝物が展示されていた。
そして、次の区画が今回の中心的な展示といえる、源氏物語に関連した絵画や工芸品で、最も古様の紫式部像を描いたもの、源氏物語の場面を描いた屏風や色紙、源氏物語絵巻に、同じく源氏物語の場面を描いた蒔絵すずり箱など、主として江戸時代のものが展示されていた。出口よりの区画にも工芸品などが展示されていた。

石山寺の本尊である如意輪観音坐像は秘仏で、展示されているものは本尊厨子の前に安置されている如意輪観音坐像で江戸時代の作だが、写真が展示されていた本尊と同様の姿の仏像で、台座の部分も凝っているし、袈裟？の部分にも丁寧な装飾が施された様子も見て取れ、なかなか荘厳な仏像だった。
石山寺の宝物では、獣頭人身の弁財天像の掛け軸があって、蛇のような3つの頭を持ち、10本ほどの腕のあるとても奇妙な弁天さまが眷属や童子を従えている奇妙なものだけど、印象に残った。

室町時代に描かれ最も古様を示す紫式部の絵は、大きい絵で、ほとんど白黒のかなり痛んだ感じのものだったけど、かえって時代を感じ趣があった。
また、源氏物語に題材をとった蒔絵すずり箱は、非常に細かく丁寧に蒔絵が施されていて、なかなか見事なものだと思った。
屏風や色紙などは多数展示されていて、大和絵自体にあまり詳しくないので、描き方の違いなどは説明を読んでも良くわからなかったけど、源氏物語に興味がある人には、いろいろな場面が描かれていて、その様子などをたのしめるのかもしれない。

アジアとヨーロッパの肖像 展を観てきた。

神奈川県立近代美術館葉山館で、3/29まで行われている、「SELF and OTHER　アジアとヨーロッパの肖像」を観てきた。

アジアとヨーロッパの出会いを背景に、広い意味での肖像、すなわち人物表現を伴う絵画、彫刻、工芸、写真などにおける自己像と他者像の展開を辿ります。神奈川県立歴史博物館との同時開催。（Webより）

展示構成は、
1章：それぞれの肖像、2章：接触以前－想像された他者、3章：接触以降－自己の手法で描く、第4章：近代の目－他者の手法を取り入れる、5章：現代における自己と他者
の5章構成。

王族など権力者の権威を示す肖像画から、異人や蛮人として異国の人物を想像で書いているものから、現代アートに見られる肖像までを、絵画だけでなく、彫刻、象嵌の根付や陶磁器、バティック、インドネシアの影絵人形、写真やビデオアートまで、人間の関心の対象あるいは表象として作られた様々な肖像作品をみることができる展示。

王族などの肖像画は、所持品が威厳や特徴を示していたり、想像の異人や、いろいろな技法による表現、写真が発明されて以降の肖像としての意味や、肖像とレッテルなどと本質の差や意味を問うような現代アートなど、肖像画の様々な背景や特徴をみることができる展覧会だと思った。

異国の人物としての偏見や互いの見方の違いなども、詳細に見ればわかるのかも知れないし、そのような差異を改めて知ろうというのも展覧会の意図のようにも思うが、その点については、ロートレックやミュシャなど確かに異なる文化での相互の影響を感じられるものもあったが、全体として知見を新たにするほどにはわからなかった。

ただ、普段あまり見かけない、東南アジアの作家の作品があり、写真のように非常に緻密に書かれたものが多く、西洋のほうが遠近法などを駆使し写実的な絵画を指向している感じはするが、そのような写実的表現技術がアジアにくると、非常に緻密な作品となり、よりリアルな作品を作り出しているような気がする。最も単に写実的な表現になってしまって、写真に駆逐されてしまうようなところもあるような気もした。

想像の異人には、腕長族ともいうような腕の長い人種をはじめ、小さい人種、足の長い人種など、実際にありそうなものから、腹に穴が開いていて、その穴に棒を通して運ばれる人種や、頭が無い人種、足が1本の人種などといった、奇妙な想像上の人種が異国に居ると思われていたことを知った。

個人的には、近代から現代アートよりに関心があるので、5章での、ビュッフェの作品や、草間彌生の自画像は初めて見たものだと思うし、ウォーホールのマリリンにボルタンスキーのモニュメントや、トーマス・ルフ、ジュリアン・オピー、といった作家の作品や、舟越桂の作品が見られたのは良かった。

関合正明展を観てきた。

先日、鎌倉の県立近代美術館に伊庭靖子展を観に行ったあと、鎌倉別館で3/22まで行っている「慈しみのまなざし　関合正明展」を観に行ってきた。
初めての公立美術館での回顧展だそうで、油彩や水彩、素描、などが90点以上、他に、スケッチや関連資料、挿絵や装丁の仕事などがケースに入れられ、合わせて150点を超える展示により、画業を振り返る構成。

70年代から80年代頃にかかれた、欧州や日本の家や風景画が多く展示されていたが、空は灰色がかった色で表現され、寂寥感の漂うような感じの作品が多く、また表面を荒く捉えたような塗りかたで、フォービズムの作品のようなタッチで特徴を捉えたような印象がした。

知らない作家だったし、どちらかというと、私の好きなタイプの絵ではないのだけど、静かで落ち着いていながら、昔ながらの温かみがあるような部屋に飾るのによさそうな感じの絵だと思った。

鎌倉館では伊庭靖子さんの、スーパーリアリズムのようなリアルな中に質感を再現したようなものを見た後だったので、粗いタッチで表現されて、見た目そのものとは異なりながら、その場の特徴というか風景の独特の雰囲気を伝えるような作品は、見た目にはまったく異なる性質の絵画で、絵を見ているときに感じるものが大きく異なっていて、なんか不思議というか絵を見る楽しみはこのあたりにあるかなと思ったりした。

伊庭靖子展を観てきた。

昨日（3/12）、鎌倉の神奈川県立近代美術館に行ってきた。
美術検定合格者向けのメールマガジンの抽選で当たった招待券で観に行ってきた。

鶴岡八幡宮の入り口に程近い鎌倉館は、3/22まで「伊庭靖子展　－まばゆさの在処－」を行っている。
クッションなどのリネンや、果物、プリンといったものを自然光のもとで撮影し、その写真を元にキャンバスに油彩で描いた近年の約40点の作品が展示されていた。
写真に固定された瞬間をさらに絵として描いているので、もともと動くものではない対象だけど、光の加減を含めた、ある瞬間をとてもリアルに捉えた感じの作品たちだと思った。
近づいて見るとキャンバス表面や絵具の跡などが見える一方、写真と同じようにボケ味も表現されていて、磁器の表面に写りこむ光の反射やクッションの微妙な陰影などがとてもリアルに感じられた。
大きいキャンバスに描かれた作品は、そのリアルな質感を感じ、静かな中に綺麗で清らかな印象を受けるものが多かった。
この絵を飾ることを考えると、あう場所のイメージが沸かなかったけど、絵自身はどれも綺麗な感じで、身近なものの持つ美的なものを引き出している感じがして、いいと思った。

マーク・ロスコ展を観てきた。

川村記念美術館で、6/7まで行われている「マーク・ロスコ　瞑想する絵画」展を観てきた。
マーク・ロスコは好きな作家で、川村記念美術館は昨年増改築して広くなり、ロスコの絵画を飾るロスコルームなどもあって、一度行って見ようと思いながら、少し遠いので行く機会がなかったけど、今回マーク・ロスコの展覧会とういことで、見逃せないと思い行ってきた。

今回の展覧会は、ヨーロッパでロスコルームを持つ、テート・モダンとの共同企画で、両者とナショナル・ギャラリーにあるものを含めて、シーグラム壁画と呼ばれる大型の連作30点中15点が展示されるのが目玉。
展示構成としては、展示室に入るとすぐに「赤の中の黒」という、ロスコらしい、もやもやした色調のオレンジというか茶色がかったような赤い中に、境界がにじんだような感じの黒い四角が上半分に、下側には背景と同系色で少し濃い目の四角がぼんやりと浮き上がるといった感じの作品が設置され、次の部屋はテート・モダンに絵を渡す際のやりとりの書簡やシーグラム壁画に関連した作品、シーグラム壁画を設置する際の配置を検討したらしい模型などがあった。
続く部屋が、シーグラム壁画の展示室となっていて、通常目にする展示とは異なり、見上げるような比較的高めの位置に壁面を埋めるような感じで隙間は少なめで並べられていて、四方の壁全体が作品のような感じだった。
他に、晩年の作品で濃紺というか黒っぽい中に黒という感じの作品4点からなる部屋と数点の展示といった展示構成。

入り口を入ったところに抑え目の照明のなか「赤の中の黒」があり、展示室に入ったらそこはロスコの世界、シーグラム壁画への前段階といった感じの2室目があって、シーグラム壁画たちによるロスコ空間といった感じで、こういった絵の好きの私としては、とても満足できた。

目玉のシーグラム壁画は、天井も高く空間の広い展示室の壁を埋めるように15点の作品が配置され、独特の空間が生み出された感じだった。
配置も普通にひとつひとつが一定の間隔で展示されるのと異なり、高めの位置に隙間が少なく並べて配置されていて、頭上の高いところから絵のほうが見下ろしているというか、壁一面の窓から光が差すように、絵が降ってくるような、なんというか崇高な感じのする空間だと思った。

シーグラム壁画は、赤褐色というか濃い赤紫色を基調にした作品が中心で、同系色や少し青みがかった色やオレンジ色で境界のはっきりしない四角や四角い枠がかかれた、なんともいえない作品たち。単品でも大型で迫力のある作品が、壁全体を覆うような窓といった感じで飾られ、この空間を体験するのに佐倉まできた甲斐があった。

書簡から、マークロスコは、自分の作品が他の作家の作品と並ぶことなく、また常設展示されれることを強く望んでいたようで、このような展示空間ができることを望んでいたのではないかと思えるような空間となっているように思う。

晩年のほとんど黒といった感じの藍色というか濃紺のものは、全面が黒っぽく見えるものの良く見ると微妙に内側の四角が浮かび上がってくるような感じのもの。全体が黒っぽい作品は初めてみたけど、こちらも小部屋3面に4枚の黒っぽいものが配置され、ホワイトキューブの展示室に置かれていることもあって、存在感がすごく、中央にはベンチが置かれていたので、のんびりと鑑賞させてもらった。

画面が大きいこともあって、作品点数自体はそれほど多くはないことと、晩年の作品が中心で鈍い赤紫から茶色やオレンジ、赤、黒、濃紺といった色あいのものが中心で、マーク・ロスコの本などの表紙を飾っているような黄色や緑などカラフルなのものはないものの、ロスコの作品をこれだけまとめて見られる機会はなかなかなく、素晴らしかった。ロスコの作品が好きな人には見逃せない展示だと思う。

元永定正展を観てきた

先日、Bunkamuraザ・ミュージアムに行った後、新宿の損保ジャパン東郷青児美術館で、2/22まで行われている、元永定正展を観に行ってきた。

チラシやWebを見た感じだと、色彩にあふれた抽象画のようなので、気になっていたので、観に行ってきた。
２００６年の損保ジャパン東郷青児美術館大賞受賞記念として、開催されていて、受賞作「いろ　いきてる！」をはじめとして、初期の大画面に絵具をたたきつけたような抽象画から、イラストの図案のようなもの、それらを組みあわせたようなものなど、約60点が展示されていた。

初期の抽象画は、絵具の厚さやざらつき感のある、前衛的？な抽象画で、わりといい感じのものだった。
その後の作品も、絵本など小さい作品もあるが、大画面に幾何学的な図柄に光が当たって、CGでグラデーションをつけたような感じの作品や、絵具が流れることで画面に動きがあるようなものなど、綺麗な感じの作品が多かった。

当初漫画家を目指して、洋画家に転向した方で、絵本の作家とも知られているそうです。
そのためか、どことなく温かみと面白みを感じさせるイラストのような絵やタイトル付けがされているように思った。

この作家のことは知らなかったけど、まとめてみることができ、入場料も500円と良心的で良かった。

展覧会、ピカソとクレーの生きた時代 を観てきた。

先日、Bunkamuraザ・ミュージアムで、3/22まで開催されている、「20世紀のはじまり、ピカソとクレーの生きた時代」を観てきた。

この時代の抽象画が出現したころの平面作品が好きなので、楽しみにしていた展覧会。

この展覧会は、ドイツにある、ノルトライン=ヴェストファーレン州立美術館が改修工事で休館する機会に、そのコレクションを借り受けた展覧会。
その州立美術館については、初めて知ったのだけど、近代美術コレクションのその質の高さと、ピカソとクレーのコレクションで知られているそうです。

展示構成は、マティスやブラック、シャガールなどの、20世紀初頭の表現主義的傾向から始まり、ピカソを中心に、ブラック、ファン・グリスのキュビズム的傾向、マグリット、イヴ・タンギュー、エルンストからミロまでのシュールレアリスム的傾向、カンディンスキーとクレーの展開という4章構成。

ピカソもキュビズム的なものから、ボリューム感のある人物、多方面の視点をいれた肖像画など、ピカソらしいものが展示されていたし、
クレーは今回の展示の中心にもなっていて、キュビズム的なものから、スプレーで描かれてやわらかいイメージのもの、点描調のもの、太線の記号のようなものや、晩年の簡素な線描まで、クレーらしさのある作品が展示されていて、良かった。

全体の作品点数自体は60に満たず、クレーの小品が占める割合も多いことから、やや少ない感じもしたけど、どれも、見ごたえのある質の高い作品が多く、エルンストやイブ・タンギュー、カンディンスキーなど、私の好きな作家の作品で、初めてみたものもあって良かった。

ブリジストン美術館にコレクション展を観てきた。

先日、パソナO2の地下植物工場？を観に行くことにしたので、近くのブリジストン美術館に行ってきた。

1/24-4/12までは、ブリジストン美術館のコレクションから、「名画と出会う　印象派から抽象絵画まで」と題して展示が行われている。

この美術館は昨年の今頃に現代美術よりの展覧会を、昨年の秋には今回とほぼ同じ印象派から抽象絵画までのコレクション展を観に行っている。そのため、展示位置も含めて見覚えのあるものも多かったが、コロー、クールベ、シスレーから、モネ、ルノワールなどの印象派、セザンヌ、ゴーギャン、ボナールから、マティス、デュフィ、ルオーやモディリアーニ、それに、ピカソ、クレー、からキリコ、レジェ、ジャン・フォートリエ、菅井汲、ピエール・スーラージュや、白髪一雄、斉藤義重といった、近代から現代のいい作品が多いので、見飽きないというか見ごたえがあっていい。

特に私の好きな抽象絵画は、その大きさや画の質感なども含めて、いろいろなイメージを感じるものが多いので、今回も、ザオ・ウーキーやエミリー・ウングワレーの絵などを見ることができてよかった。

パソナO2に行ってきた。

先日、最近、水耕栽培や農業に少し関心があるのでパソナO2に行ってきた

ビルの地下２Fに６つほどの栽培ルームがあって、３つずつつながって大きく分けると２箇所に区分されていて、その間にカフェのような休憩所というフロアになっていた。

花畑となっている部屋ではいろいろな観葉植物などが栽培されていて、部屋に入ったとたん、空気が違った。（温湿管理のためが大きいと思うけど）
バラ・ハーブ園となっている部屋は、入った瞬間ハーブの香りなどで空気が違っていた（ハーブの香りとはいえ、いろいろな種類のものが混じっているためか、すがすがしいというものではなかったけど）。
他にトマトの部屋や稲穂を育てている部屋、野菜の部屋にサラダ菜などを栽培している部屋があって、サラダ菜などのベビーリーフはカフェのような感じの休憩所で試食できるようになっていた。

観葉植物は室内で育つ植物も多いし、特に印象に残るようなこともなかった。植物の光合成と形態形成では必要な波長領域が異なるのを示すために、赤・青・緑のLEDでイタリアンパセリを育てている例があって、大きさが違っていたりしたけど、あまり明確ではなく、情報提供に過ぎない感じだった。
ハーブはそもそも、育てやすいだろうから、地下で育てるのには向いているような気もした。
トマトはそれなりに立派に育っていたけど、実の付き具合は少ない感じで、光量不足なのではないかと思った。
野菜畑は、いろいろ植えてあり、それなりに育っているみたいだったけど、あまり印象に残るようなものはなかった。
サラダ菜の栽培は、植物工場らしい感じだったけど、ネットや本で見聞きした水耕栽培の様子から想像したものと変わらず、あまり驚くようなこともなく、むしろ、蛍光灯で栽培しているし、サラダ菜などはスーパーなどでも既に良く売っているわけだし、確立した栽培を単に小規模にやっているようにしかみえなかった。

他にパソナの取り組みとして、農業経営支援セミナーのようなものの開催などの説明もあったけど、パソナ自身が農業に乗り出すというわけではなく、都会の人が農業を考えるきっかけになったり、農業への関心を高めるためのショールーム的な位置づけだそうです。

以前、報道などで見聞きしたときは、都会 のこのような場所でも農業ができ、空調や水質を管理して農薬などを用いない安全な栽培が可能となる、新しい農業の可能性を提案していたように思っていたけど、パソナ自身が新しい農業の拡充に力を入れているのかと思っていたので、少し印象が違った。

ジム ランビー 展を観てきた。

先日、原美術館で、3/29まで行われている展示、「ジム　ランビー　アンノウンプレジャーズ」を観てきた。

品川に用事があったので、久しぶりに原美術館に行ってみようと思っていったので、この作家のことはなにも知らなかったけど、床全体にテービングを行って幾何学的なパターンで独特の空間を作るのが特徴らしいです。

チラシなどでは、カラフルなテーピングの様子が写っていたけど、今回の展示では、白黒のラインで床面が埋め尽くされていて、ところどころに、レコードを箱に整理したような四角いキューブ状のものが傾いて転がっていて、独特の空間の中に、ありふれたものがあったりして、それがアンノウン　プレジャーズ（未知の快楽）を感じさせるのだそうだけど、なんだかよくわからなかった。
部屋ごとに、写真に花とかを添えたものが壁にかかっていたり、少し開いたドアがあったり、椅子を多数組み合わせたオブジェが部屋の中央にあったり、枕の巨大なのが赤く塗られて絵具が下に流れているようなもの階段にかかっていたりしていた。
他には、常設なのだと思うけど、森村泰昌、宮島達男、奈良美智のそれぞれ部屋全体を使ったものがあった。

原美術館は邸宅を現代美術館にしたこともあって、元は邸宅なので、広い家に招かれて美術品を展示している部屋を見るような感じもあって、その邸宅が幾何学模様の床で埋め尽くされ、奇妙な感覚を感じを覚える展覧会となっていた。
ただ、美術館はそれほど大きくはないことから、観るものとしてはそれほどなく、入場料が１０００円なのはちょっと高い感じもしてしまう。
ただ、カフェも利用して、原美術館の雰囲気を含め、独特の空間を楽しむにはいい感じだし、現代美術は体験することが重要なんだろうから、そういう点ではインパクトもあるようにも思った。

レオナール・フジタ展

年末年始とブログの更新を怠っていたので、昨年のことになってしまったけど、12/30に、上野の森美術館で行われている、「レオナール・フジタ展」（上野での会期は1/15まで、この後福岡と仙台を巡回）を観てきた。

展示構成は、４つに区分され、建物の１階部分でに第１章として、１９１０年代後半のフランスに渡った頃の初期の作品からスタイルを確立した２０年代後半頃までの人物画や風景などが、
第２章として、今回のメインともいえる大作、「ライオンのいる構図」「犬のいる構図」「争闘Ｉ」「争闘ＩＩ］の連作２つと関連する習作、人物や動物に構図の共通性がみられるパリの建物内の壁画に使われていたものや、未完の作品「馬とライオン」など、大作に関連した作品が展示があり、他に猫や動物の絵も展示されていた。
続く建物の２階からが第３章として、晩年をすごしたアトリエを中心に、フレスコ画をはじめとしたいくつかの作品に加えて、アトリエの様子が再現されていたり、パレットや筆などから、アトリエで使用された箱や皿などの雑貨を自分で作ったり装飾したものなども展示されていた。最後の４章では、洗礼を受けキリスト教徒にまでなった、レオナールフジタの宗教画を中心に、普段はギャラリーとして使用している隣？の建物には、フレスコ画からステンドグラスや細部の装飾まで自分で手がけた平和の聖母礼拝堂の模型や、ステンドグラス、壁画やそのための習作などが、展示されていた。

フランスに渡って数年後の初期の人物像は、輪郭線がはっきりした装飾的というか面的な作風だし、風景は色調の抑えられた、さびしくて憂鬱な感じで、中にはムンクの絵のような空や地面が揺らいでいるような感じの絵もあり、藤田嗣治としても、レオナールフジタとしても、まとまった展覧会を観たのは初めてだったので、初期はこのような絵を描いていたことを始めて知った。
もっとも、その数年後には、細い描線と乳白色の宇宙人のような顔をした作品を描いていて、大作を描いた２０年代後半につながる作風が見られ、晩年の本の挿絵のような感じの、カラフルな幻想的な細密画（個人的な印象）まで続く、細い線と白っぽい印象の独特の画風の作品がほとんどのようだけど。

個人的には、晩年のものよりも、人物や猫などの代表的な作品も展示されていた、20年代後半から４０年代頃の人物や動物の絵がいいように思った。晩年の作品は、細かく書き込まれる一方で肌などは滑らかに塗られ、シュールレアリストっぽい感じもして、面白いのだけど、絵としての見ごたえというか、ひきつけられるような独特の感じというのが弱いように感じた。それと、どことなく不気味で幻想的な感じの人物像はフィニーの絵を思い起こすような感じがした。
最も、今回、いろいろな作風が展示されているものの、他にもいろいろな絵があるだろうから、なんともいえないが・・・

この美術館はそれほど広くはないものの、空間を有効に使って展示されていて、隣のギャラリーも今回は会場の一部となっており、初期の作品から、今回の目玉とも言える、争闘や構図といった大作と関連した習作などや、晩年すごしたアトリエの様子、フレスコ画から装飾まで手がけた、聖母礼拝堂の様子などが模型や、再現したものを含めて展示され、興味深い構成となっていたのに加え、初期から晩年のさまざまな作風の作品が見られて良い展覧会だった。

最も、今回の展示は、宣伝用のチラシやＷｅｂページからは、初公開を含む２大連作を目玉に、資料や関連する作品の展示がされているようだったが、他に作品の紹介があまりされていなかったので、資料や習作が多いだろうと思い、大作以外の完成した良品を見ることをそれほど期待していなかった分、いい印象を持ったところもあるかもしれない。

今回、ブログに感想を整理するのが観に行ってから１０日ほど経ってしまって、見た直後に比べると、だいぶ印象が薄れてまった感じがした。図録を買っていたので、観ていると、いろんなことを思い出せたけど、最近はすぐに印象が薄れてしまいがちて、細かいことはすぐに思い浮かんでこなくなる。
記憶だけを頼りにしているので、Ｗｅｂをみて思い出しながら書いたものの、整理するならやはり早めにするようにしようと思った。

ニコンサロン

先日、蜷川実花展を見た後、新宿にでてニコンサロンによってきた。

ニコンサロンでは、大丸 剛史「東京タワー」、ニコンサロンbisでは谷井 隆太「ものみゆさん」というタイトルで展示を行っていた。

ショールーム側から入ったので、先に、「ものみゆさん」の方をみた。
こちらは、行楽地を撮影したもので、名所や代表的な場所をそのまま、全体的に遠景で露出をオーバー気味で撮影しているのか、明るくて軽やかな、平和で朗らかな感じのする写真だった。
東京国立博物館の本館や、皇居の二重橋、などの名所や、鶴岡八幡宮や横須賀など、私の良く知っている地域が多かったので、写真のよしあし以前に親しみを持てた。
（こちらは日本カメラ１２月号にも掲載されているらしいです。）

「東京タワー」のほうは、写真展のタイトルを知らず、展示順から考えると逆方向に観ていったので、東京タワーというタイトルだとは知らず、都内のビルやマンションが作る光景を切り取っている写真だなと思いながら観ていた。
最後に、展覧会にあいさつを読んで、タイトルが東京タワーと知り、断片や写りこみでも、東京タワー全体をイメージできるほど、東京タワーが日本や東京のシンボルとして強くイメージが培われていることなど、頭の中でのイメージとの関連などを意識した作品らしく、
東京タワーをタイトルとしながら、直接撮るのではなく、ビルの隙間から一部見えていたり、ビルの窓への映り込みなどで、東京タワーをイメージさせることで、部分や影から東京タワーの持つイメージが頭の中で再構成されることを狙った写真ということのようだった。
そこで、改めて観てみると、先ほどはわからなかったけど、窓に東京タワーの一部が映りこんでいたり、ビルが鏡のようになって東京タワーを写していることがわかって、面白かった。
でも、タイトルをみないと東京タワーが写真の中にあることに気づかないものが多かったので、写真家の意図を写真だけからは、汲み取れなかったということにもなるけど。

蜷川実花展を観てきた

先日、森山大道とミゲル・リオ=ブランコの写真展をみて、大判の写真の迫力や、鮮やかな色彩の写真もいいと思って、行かずに終わってしまいそうだった蜷川実花展を、昨日（12/26）観に行ってきた。（東京オペラシティーアートギャラリーで12/28まで、その後、岩手、鹿児島、西宮、高知を巡回）

最近、名前を聞くというか、さくらんで監督デビューしてたし、春先のアートフェアでも人気があったようだし、確か蜷川幸雄の娘だったような気もするし、なんか流行りに乗っかる感じだけど、まあ、写真そのものは、見た目が鮮やかな色彩にあふれてて綺麗だったの良かった。

展示は、エントランス、花、初期、金魚、人、旅、造花、新作、ポートレートの9つのコーナーに分かれていた。
エントランスから受付を過ぎると花の部屋で、代表的な作風ともいえる、花の写真が飾られていた。大きく引き伸ばされた花は、一部の拡大だったりもするけど、花弁や空が作る、赤、黄、緑、青を基調として微妙に変化した色合いで、どれも、綺麗だった。
次の部屋はモノクロのセルフポートレートなど、比較的初期（といっても95年以降だからまだまだ新しいかも）のもので、この中に初めて蜷川実花という人を知った写真集Pink rose suite（写真集の名前は忘れていたけど、写真のほうで見覚えがあった）からの写真などがあり、
金魚の部屋では、照明を落とした部屋にひとつの壁面には金魚の映像が流れ、残る部分も金魚などを写したものが展示されていた。
旅の部屋では、いろいろな場所で取った風景や子供などが展示されていた。フィルムくらいの小さいサイズの写真がたくさんテーブルの上においてあったりもした。
人のコーナーでは、壁面にキャノンのプリンターで打ち出した写真が貼られていたり、いろいろな写真集などの写真が飾られていて、こちらも、鮮やかなものが多く綺麗。
造花のコーナーは照明を落とした暗い部屋で、壁面に大きめのスライド（ガラスに印刷？）をバックライトで照らした展示で、暗闇の中で、墓標に供えられた決して枯れない花という、鮮やかな色彩と死の対比を強調しているような感じ。
新作のコーナーは、いろいろな大きさで、いろいろな主題の写真が壁面に多数展示されていて、少し雑多な印象。
最後に通路沿いに、多数（200名を超えるそう）のモデルや役者、アーティストなどの写真が通路の片側を埋め尽くすように張られていた。

写真というには、大判のポスター状のものや、壁面にもプリンターで打ち出したものが貼られていたり、裏から光を当てたスライド状のものやビデオ作品が流れて いたり、多数の小さな作品がおかれたもの、暗い部屋で光らせた展示など、通常（通常が良くわからないの私の持つ写真展のイメージ）とは異なった演出のされ た展覧会だった。

大きく引き伸ばしているために、鮮明さにかけるものもあったけど、全体的に、色彩が鮮やかで、人物も飾りつけというか演出された感じのものが多く、綺麗なものが多かった。

ただ、ゆっくりと鑑賞したくなるような作品はあまりないような気がした。

色は鮮やかだし、綺麗なので、ビビッドな内装のダイニングバーみたいなところの壁を飾るにはいい感じ（ビビッドな空間は、なんか疲れるからくつろげるような雰囲気ではないけど）。

ぱっと目を引くものは多いのだけど、じっくり見たくなるようなものは少ないのが残念だった。
じっくり観たくなるかとうい点では、花や金魚は目を引くしその色彩の迫力に圧倒されるものの、じっくり見たいという感じではなくて、旅先での人や風景が個人的にはいいと思った。

全体として、写真そのものから、何か訴えかけられるというか、何か印象深く惹きつけられるものは少なくて、時代を超えて残るようなものなのかはよくわからないというか、将来的にはどうなのかいう感じもした。
ファッション誌などで良く取り上げられたりするからというわけではないと思うけど、見た目の奇抜さ（奇抜というには、綺麗なので綺麗さ？）とかでなにかに惹きつけられるのと同じ感じを受け、見映えはいいし、目にした時に飛び込む印象は強いと思うので、さらに引き込まれるような味わい深さというか、奥深さが感じられると、いいのにと思った。
多少、黒いものをいれたりとか、とげのようななにかをかくし持っているようなものも感じられるけど、少しわざとらしかったり、なにか不自然さも同時に感じるので、それがなければ、味わいぶかくなるのかもしれないけど。

そんな感じで、けちつけながらも、それなりに綺麗な写真がみれてよかった。

森山大道 ミゲル・リオ=ブランコ 写真展を観てきた

東京都現代美術館に、「ネオ・トロピカリア：ブラジルの創造力」を観たあと、同時期に行われている企画展示、「森山大道　ミゲル・リオ=ブランコ　写真展」を観てきた。

こちらも、日本ブラジル交流年の関連事業だそうで、森山大道がサンパウロを、ブラジルを拠点に活動するミゲル・リオ=ブランコが東京を撮影し、その写真および、ビデオ作品が展示されていた。

写真は興味があるものの、あまり詳しくなく、森山大道の名前は聞いたことがあるというか、写真美術館で展覧会があるのを見かけたりしたことがあり、きっと有名な写真家なのだろうと思うくらいで、どういうところがいいのかとか特徴も知らないし、ミゲル・リオ=ブランコについては何も知らなかったので、ほとんど予見のない状態で素直に見れたように思う。

森山大道はサンパウロの街中やそこを行き交う人や棲む人などを撮影していて、白黒の写真はサンパウロの雑多な雰囲気や、人々の思いなどをある瞬間切り取った感じのする作品だと思った。

一方、ミゲル・リオ=ブランコは日本的？というか、変わったものをアップで撮影したり、いろいろなものをコラージュしたような写真で、非常に鮮やかな色にプリントされ、その大きさと共に圧倒される感じの作品が多かった。魚や、よろい、神社のような外から見た日本的なものなどもあるが、形それ自身造形的に綺麗だったり不可思議だったりするものを、非常に鮮やかに捉えている写真だと思った。

それぞれの写真を撮った場所などをビデオ作品としてまとめられていて、それも興味深く見ることが出来てよかった。

展覧会カタログは完売していて、写真に興味がある人には人気のある展覧会だったのだろうと思う。

ネオ・トロピカリア ブラジルの創造力 を観てきた

東京都現代美術館で、1/12まで行われている展覧会、「ネオ・トロピカリア：ブラジルの創造力」を観てきた。

ＢＲＩＣＳなど経済面での発展で近年注目されていて、ブラジル移民１００年ということもあって、書籍、雑誌、テレビ番組などで、移民の苦労や、その後のことなどの情報を耳にする機会が最近多かったように思う。この展覧会も、移民１００周年、日本ブラジル交流年を記念して開催されているよう。

カーニバルやサンバとかサッカー、熱帯雨林、などといった、他の要素から、明るくて陽気なイメージはあるものの、ブラジルのアートは、まったくといってよいほどイメージがなく、展覧会の概要などをチラシやＷｅｂで見て、明るい感じのブラジルアートをみてみようかと思って、観に行ってきた。

ブラジルでは60年代から、独自の文化創造を目指し「熱帯に住む者の文化のオリジナリティ」をうたった、トロピカリアという芸術運動が興り、トロピカルな色彩や生きることはアートそのものといった考えが反映したような、陽気な感じの作品が見られた。

ただ、そのような背景に加えて、最近のアーティストが多いこともあって、体験そのものがアートというような作品が多く、参加して楽しめる人はいいけど、遠慮がちというか離れて見てしまうし、なにかのイベントやパフォーマンスとなにが違うんだろうとか思ってしまい、あまり興味が持てないものも多かった。

個人的な好みが平面作品なので、あまり、インスタレーションとかビデオ作品には興味を持たないのだけど、今回は、あまりにいろいろな作品を見たこともあって、アトリウムに設置されたインスタレーションやビデオ作品が印象的だった。

アトリウムのインスタレーションは、エルネスト・ネロの作品で、天井からぶら下げた薄いストッキングみたいな布の中に、ソバがらやスチロールの粒のようなものを入れて、途中の重みで垂れ下がったようなものが多数ある作品で、大掛かりだけど有機的な柔らかなものが空間を侵食しているような感じで、不思議な空間を作っていた。
まあ、イベントなどで一時的に作られる変わった空間デザインとなにが違うっていう話もあるけど、２Ｆや３Ｆから見下ろしたり、Ｂ１Ｆから見上げたりすることが出来て、その雰囲気から伝わってくるイメージなどがなかなか印象的だった。

ビデオ作品ではアナ・マリア・タヴァレスという作家の作品で、細い柱の周りをスチールの穴あき板が多数、工事現場の足場のような感じで宙に浮いているような映像が続くもので、部屋に入ると両サイドの大きなスクリーンがあって、その両者に遠くまで続くような映像が流れていて、水中にいるような、宙にうかんだような感覚がする作品。
ビデオ作品は大抵、映像の示す内容や時間的変化とか物語性があって、全体を見なくてはいけない感じのものが多いので、平面作品が好きな私としては、あまり好きになれないのだけど、純粋に映像が綺麗だと思えるものや、視覚から伝わる感覚に訴えかけるようなものは、わりと楽しいかもしれないと思った。

他には、日系１世のトミエ・オオタケの青い火の玉みたいなものなど、抽象的な絵はなかなかいいと思った。個人的には好きなものではないけど、オスジェメオスの作品がなんとも不気味な感じもするのだけど、印象に残った。