アート・ヒステリーを読みました。

アート・ヒステリー ---なんでもかんでもアートな国・ニッポン （大野左紀子　著、2012.9発行）を読みました。

先日読んだ、アーティスト症候群―アートと職人、クリエイターと芸能人 の著者の最近（といっても１年くらい前）の著作。前作が歯に衣を着せぬ容赦なさが爽快だったので、読んでみることにしました。

アートっていうとなんか自由で個性的でカッコイイみたいなイメージで、さまざまなものがアート呼ばれたり自称している一方で、アートって良くわからないという声も多い。
そのような声に、アートの見方を解説するのではなく、少し距離を置いて、アートの成立や市場、社会との関係を含めたアートが置かれている状況、日本でのアート教育の変遷と現状など、アートを取り巻く環境や社会的位置、教育も含めた認知状況などが書かれています。

語り口は平易でありながら、前作と同様批判するところは厳しく批判していますが、本作は前回より構成がしっかりした評論本の趣。

アートは自由にみて好きなように感じればいいなどと言われたりするけど、背景や歴史を踏まえて、自分の中あるいは社会の中にある価値観を揺さぶるものなので、背景に関する知識の有無はアートを楽しむのに必要だし、自由に見るという見方も歴史的背景を踏まえて今日隆盛しているのだと思いました。
アートも民主主義や資本主義、商業主義から逃れて存在するものではない状況は、個性重視といいながら、個性そのものも我侭と差異がなくなってきたりする現在の社会的状況に通じるものがあるのかなど、アートと個性、自由、といったことを考えました。

　　　

アーティスト症候群

アーティスト症候群―アートと職人、クリエイターと芸能人 （大野左紀子、2008.2発行）を読みました。
巷に自称アーティストが溢れている状況に対し、以前は自分も（美術作品を作る人としての）アーティストであった著者が、アーティストという言葉をこうも聴くようになった背景や、なぜアーティストと名乗るのか、そう名乗っているのはどういう人かについて書かれています。

もう、５年以上前の本で、多くの人がアーティストって響きに憧れ流行っていたころほど、アーティスト＝なんか箔があってかっこいいイメージ、とは言い切れなくなってしまっているものの、本書のなかでも触れられているクリエイターという言葉など、多少形を変えながらも、自由に好きなことをしながらも一目置かれるような雰囲気を持つ用語を、多くの人が便利に使い、さまざまな横文字職業が増えている今の様子は、自分を差別化し認められようとアーティストが多用されるようになったのと変わらないように思います。

他から認められたい、他とは違って格好いいとか、偉いとかって思われたいけど、そうそう他より抜き出るのは難しく、アーティストといってしまえば、よくわからないけど凄そう、みたいな感じになる、そんな状況を的確にとらえ、背景を分析しています。
また、芸能人のアーティストに対しても容赦なく、そこまでいっていいの？という感じの皮肉まじりの論評がされています。

アーティストおよびアートという言葉が使われている様子についての、芸術家でもあった著者自身の考えからの論評ともいえますが、著者自身のアーティストになるまでやなってから、予備校講師のときの体験、そしてアーティストをやめた理由もかかれ、美術大学を目指す学生の様子や予備校業界の裏話的要素もあり、楽しく読めました。

　　　　　　　　

音楽は自由にする を読んだ。

特に理由これといった理由はないのですが、前回まで月に何回かは観に行った展覧会などの感想と何冊かの読んだ本の感想を書いていたのに、今回は、４ヶ月以上という間隔が空いてしまい、久しぶりのブログ書きです。

坂本龍一著、音楽は自由にする（2009.2発行）を読みました。

内容は、雑誌「エンジン」の企画に基づいていて、編集長によるインタビューで坂本龍一が自ら人生を振り返った、２年以上にわたる２７回の連載をまとめたものです。
幼稚園の頃から始まり、育った環境やその頃の様子、さらに、現在につながる出来事や最近のことまで、順を追って書かれています。
人との関わりや出来事への関心などについて、実際には気難しそうな人のようなので、いろいろもめたこともあっただろうと思われるようなことも、淡々と書かれていて、最後には年表まで載せてある坂本龍一の自分史です。
音楽のバックボーンをしっかりと身に付ける一方、ポップの領域でも活躍し、最近では環境関連の活動など多方面で活躍するアーティストの自分史として、そういうものに興味ある人には面白い本なのではないかと思いました。

全体としては、自伝なので、淡々と様々な記憶に残っている出来事が書かれていて、特に訴えかけてきたり、いろいろと考えることを促すようなも感じではない本だと思いますが、
坂本龍一の活動や交友範囲が広がっていく８０年代の部分は、その時代のアーティストや文化人との関わりで出てくる人に、私もよく読んだ思想家や作家が出てきて、２０世紀の芸術運動ともいえる芸術自身や概念に対する見直しなどといった興味のある部分が重なって、そのような分野の人と関わることは私にはなかったので、うらやましい気もしました。
また、後半では、ニューヨークで９．１１テロに遭遇した時のことなどは、かなり極端な印象を受ける部分もありましたが、恐怖がまさに身近におそい、その後もどうなるかわからないといった緊迫感に包まれたときの人の状況について書かれていて、出来事が人に感情や考えに与える影響について、ニュースなどで見聞きしたときのものとは別の見方というか感覚が伝わってくる感じがしました。

坂本龍一はこんな自分史を出すようなことはしたがらないように思っていたので、最初に、あまり気が進まないと書いてありましたが、５７才という年齢にもなって、丸くなったように思いました。

脳は美をいかに感じるか を読んだ。

セミール・ゼキ著、河内十郎　監訳脳は美をいかに感じるか―ピカソやモネが見た世界(2002.2発行）を読んだ。
脳と美術といった、どちらも興味を持っている分野を、脳の働きの観点から繋ぐ本のようなので読んでみようと思った。

内容としては、
全体は終章を含め２２の章立てとなっていて、脳と美術の役割（1～10章）、受容野の美術（11～16章）、美術形式の神経科学的検証（17～21章）の3部に分かれた構成。
1部では、「美術の目的は脳機能の延長にある」という筆者の考えをもとに、脳の機能や美術の機能について、物の形や本質をいかに表現し理解するかというような観点から、それぞれの働きとその共通性を画家自身の言葉と、神経科学の知見とを交えながら述べられている。
2部では、特にモダンアートの特徴が、単一細胞の受容野の特徴と似ていることが述べられていて、神経科学的というか神経機構における選択性細胞（ここの細胞の受容野における傾きや方向など、特定の要素に選択的に反応する細胞）の役割や、抽象画やキネティックアートなどが、最小要素を目指したり、動作、色、傾きなどといった、視覚に関わる要素のうち特定のものを抽出していて、選択性細胞の機能や脳の特定部位を活性化させることなどが述べられている。
3部では、美術の形式に対応して、肖像画と脳における顔の知覚や認識についてや、色彩の生理学と色彩の解放を目指したフォービスムとの脳機能から見た対応関係、抽象画と具象画で異なる脳の活性部位、さらに、モネの色彩感覚について脳機能から考えられることなどが書かれている。

優れた美術は多様な人の心を動かすもので、それは人の心理構造に関わる根本的な何かをとらえたものだから、心の動きは神経科学的機構に依存していて、美術と神経科学が関係することや、
脳機能、特に視覚の脳機能は「この世界についての知識を得るためのもの」であり、脳の機能は物体の真実の姿を表現することにあって、これは、画家自身が本質を捉えようという態度と共通のもの、といった観点が、「美術の目的は脳機能の延長にある」という作者の考えにつながるよう。

本質を取り出すといった恒常性の追求は、色や形に限らず、物体間の関係、顔や状況、正義や名誉、愛国主義といったより抽象的な概念にも適用できると考え、共通する特徴を抽出するものが美術の特質であるという捉え方を元に、脳機能との対応などが語られている。
単に概念的な話にとどまらず、特徴を抽出する基となる選択性細胞の存在や、
物体を見ることが近年、見る部位と理解する部位があるのではなく、見ることと理解することは切り離せない一方で、色や形など要素ごとに独立して脳で処理され、独立した小さい意識ともいうものが集まって、物や外界を意識的に認識することといった、
神経生理学的な見解も踏まえて述べられていて、説得力のある内容だと思う。

説明の難しいテーマのように思い、意味が良くわからない部分も時々あるものの、全体として記述は丁寧でわかりやすく、見ることと理解することが別個ではない一方で、要素ごとに見て理解する機能が分かれていること、そのような機能の分化とモダンアートの目指したものとが脳を考慮していないにもかかわらずとても似ている関係にあることなど、興味深く読むことができた。特に、紫外線のアートがないように、脳で認識できないものは美術としても存在しえないことは、当たり前のようで、美的体験も脳で認識するということを改めて明確にされ田感じがしたし、フェルメールの絵のような具象画についても、その表情や情景が同等の有効性を持つ多数の状況に当てはまり、状況の恒常性を抽出しているといった観点は、考えたことのない視点だった。
また、肖像画と顔認識や、色彩の部分で得られている波長自身より、周囲の光源を差し引く機能とフォービスムの色彩に対する考えなど、脳機能との対応の不思議さを改めて考えさせられた。

科学的な正確さという点では、サンプル数や実験方法など不明な点も多いが、
美的体験も脳内で処理されて生じていることであり、情動や情感まではまだまだ踏み込めないものの、視覚的な体験が対応する脳機能に応じて、分化したアートがあり、美術は外界の情報を得るために本質的なものの抽出するという脳機能の延長という考えは興味深く、読む価値の高い本だと思った。

芸術の神様が降りてくる瞬間 を読んだ。

茂木健一郎　他、芸術の神様が降りてくる瞬間（２００７．１０発行）を読んだ。


アートと脳の関係などに興味があるので、先日読んだクオリア降臨と一緒に図書館で借りていたので読んでみた。

内容は、ＢＳ日テレで２００６年４月から９月まで放送された「ニューロンの回廊　～潜在能力の開拓者たち～」の一部を再構成して書籍化したものだそうで、ミュージシャンで作家の町田康氏、ダンサーで演出振付家の金森穣氏、ジャズピアニストで作曲家の山下洋輔氏、落語家でタレントの立川志の輔氏、コーデノロジスト（芸術、哲学、科学の総合に向かい、その実践を推し進める創業家だそうです。）の荒川修作の５人の、芸術といっても幅の広い分野の第一人者ともいえる人との対談が収められていて、創造の過程やそれぞれの物事に対する感じ方や捉え方などが披露されている。

一般向けの番組での対談が元になっているので、先日読んだクオリア降臨とは違って、読みやすいし面白かった。もっとも、言葉に表しにくいものを表現しようする面がたぶんにあるので、なんとなくイメージが浮かぶだけで、よく考えるとわからなかったり難しかったりする部分も多々あった。
特に、荒川修作氏との対談のように、生命の構築とか有機体や位相に分身、哲学や科学や芸術を現代のように狭いものではなく枠組みを取っ払うような身体感覚に基づいた世界を築こうというような、訳わからない対談もあるけど、それはそれで、荒川修作氏という人のパワーというか人となりが感じられるように思った。

絵を見るのは好きなものの、ダンスとかジャズや落語など、普段はあまり興味を持たない分野の人の対談が多かったが、第一人者ともいえる人の話は、物事の感じ方や捉え方などに日ごろ注意深く観察しているようなところが多く、個性的である一方で共通するようなところもあり、いろいろな見方というか考えを聞けたように思った。

例えば、小説の場合に言葉を配置する技術があったり、共通の認識領域とその外側を縫うようなものを考えたり、ダンスの場合には肉体の動作を思い通り動かす技術や、どこかから見るように連続的に意識することなど、他の分野でも、芸術の創造にはベースとしての技術や経験の蓄積が必要だったり、それを外部やいろいろな視点から見るようなことが重要なのだろうというのを改めて思った。

他にも、オリジナルかどうかより、今やる価値があって、自分たちにとって新しいかを模索するだけ、という意見など、いろいろと考えると面白い見方があったり、ミラーニューロンや報酬系の話など、脳科学の観点からみるとどうなるかという話も適宜混じり、芸術を創造することについての手がかりのようなものが感じられるような気がして良かった。

その絵、いくら？ を読んだ

小山登美夫著、その絵、いくら? 現代アートの相場がわかる (セオリーBOOKS)（2008.8発行）を読んだ。

著者の小山氏は、村上隆や奈良美智を扱って広めたギャラリストとしても有名な人。
はじめに、で、運慶の大日如来像が約１３億で落札された話と、村上隆のマイ・ロンサム・カウボーイが約１６億で落札された話から始まり、アートについて価格という点から、絵の流通方法や、市場の形成、価格の形成などについてや、価値あるアートの成り立ち、日本の状況、コレクターの存在や投機や投資という側面、アートブームのことなどについて説明？されている。

多少、まとまりに欠ける感じもするけど、シンワアートオークション社長との対談や、日本の代表的な現代アート作家を扱っている、小柳ギャラリー、オオタファインアーツの小柳氏、大田氏との対談などを交え、アートの価格形成や市場形成について、日本の状況などが語られていて、読みがいはあった。

結局、アートの価値って、アートを飾ったり、所有する文化的な背景にもよるし、アートをどのように捉えるかや、そもそも、アートの価値は見る人の好き嫌いだけでなく、アートそのものに対する社会的な位置づけや、取り巻く背景などに左右されることを改めて感じ、真の価値ってあるのか？わかるのか？って思った。

また、アートを買うことが、見栄だったりする側面や、そういう見栄の張り方が、欧米には文化としてあるようなところから、価格が決まり、村上隆の作品が16億とかになるという見方もわかるし、美術史のなかでの新たな価値創造という点で高い値段となるという見方もわかる。その一方で、まだ、比較的手ごろな価格があるのもわかる。
そうはいっても、年収が4～6百万くらいの普通のサラリーマンにとっては、コレクションしていくには絵はやはり高い。
かといって、それなりの値段がしないとアーティストも生活できないのもわかるから、価格って難しい問題だと思った。

現代美術の教科書

美術手帳編集部編集、現代美術の教科書(2005.3発行）を読んだ。

前回読んだ、現代アートナナメ読みは、現代アートがコンセプチュアルな側面や能動的な社会との関わりが強くなっていることから、アートそのものの見方というより文化的社会的側面とのかかわりの説明みたいなところがあったため、どうも作品を中心に考えてしまう（考えが古いのか？）ので、他に現代アートの入門書のようなものはないかと思って、この本を読んでみた。

内容は、章立てとしては、教科書の名にふさわしく、序論、概論、演習となっている。
序論は、谷川渥氏により、現代美術の３Ｄ[立体]観測-新しい物語としての美術史のために-と題して、２０世紀の終焉との関わり、イズムの変遷からアート群への変容といった、大きい物語から多数の小さな物語の氾濫ともいえる方向性や、目的論的な芸術の終焉が語られても芸術自身について語られるべきことは多数あり、いろいろな見方があるというようなことが述べられている。
概論では、現代美術マスターピース・リンク-セザンヌからマシュー・バーニーまで６６作品をつなぐ１１の新しい流れ-と題して、近代から現代美術までの流れを複合的（立体的）に捉えるため、絵画と写真からビデオ・アートへや、「抽象」の場所、ポップの系譜、壁画運動とグラフィティアート、などの１１のトピックについて、それぞれ異なる執筆者が現代アートと過去の作品をリンクさせた解説を行っている。
後半の演習の章では、アート鑑賞術・入門-50の傑作を見る×読む◎空想ギャラリーツアーガイド-と題して、ＳＴＥＰ１で、対話型・作品鑑賞シミュレーションとして、ゲルハルト・リヒターや奈良美智、フェリックス・ゴンザレス＝トレスなどの５つの作品に対し、対話形式で作品や作家の特徴や、社会的、文化的背景や、作品の生み出す価値観などが語られている。続くＳＴＥＰ２では、リンク型・比較鑑賞ワークショップと題して、ある作品と別の作品について、作品の特徴や意義などについて、共通点や相違点などの比較・対照して、語られている。

構成的には教科書らしいが、内容はかなり難しく、言っていることがよくわからなかった。
序論から、教科書といった入門的なイメージから考えると、難しく、現代美術の美術的変遷の中での位置づけと、現代芸術の過去のものからの変容、現代アートは言葉で語られ、見方を形成し、いろいろな見方を楽しめばいい、というようなことを言っているような感じはするけど、違うかもしれない。
さらに概論では、現代アートの作品を過去の作品などとの関わりを評論しているが、言葉の意味が良くわからないかったり、参照される思想や文化、芸術論自身わからなかったり、作品の意図をなぜそこまで考えられるのかわからないと感じる部分も多かった。
演習部分はこの本のなかでは、比較的わかりやすいというか、他の章に比べるとなんとなく言っていることがわかる感じのする部分もあったが、それでも、文章が難しく解説や内容が理解できるとまでは言い切れない。

とは言うものの、現代美術作品について、写真入りでの解説となっているので、評論の流れを追ったり関連知識を見につけることで、ある作品に対してより多く自分自身で語れるようになるような感じもして、そういう意味で現代美術の教科書なのかも知れない。
また、多くの評論家や研究者が解説しているため、文体も異なり、わからなさの程度も異なって、なんとなくわかったような気がするような評論もあり、良くわからないなりにもいろいろな見方を知れたような気もする。ただ、難しいため、読み終わったあと何が書いてあったか思い出そうとしても、漠然とした読後感があるだけで、うまく思い出せない。

現代アートを理解したり、楽しむっていうことは、ある作品に対し（一種のジョークのような、パロディのような、一発ギャグのような作品に対しても）、文化文明論や哲学、思想などを踏まえた理屈付けをして、美術史や社会状況の中に位置づけ文脈をつくり出していくといった評論作業？を自分で行うことで、一種の知的ゲームのようなものということなのかという感じがした。

芸術起業論

作品は私の好みではないのだけど、１６億円で落札されるように、少なくても現時点では評価が高く、美術史上に名が残るであろうから、食わず嫌いというか、毛嫌いせず、今年再開されるＧＥＩＳＡＩも行ってみようと思っているので、村上隆の本「芸術起業論」（2006.6発行）を読んでみようと思い、今週末読んでみた。

内容は、日本のオタク文化を、日本の文化的背景を含めて欧米の美術史の文脈中にストーリー付けすることで、欧米の美術界にうまく説明してマネーを引き込み、世界に通じる芸術を作り出してきたという自負を基に、欧米の美術界を踏まえた買い手とのコミュニケーションやニーズの把握、コンセプトなどのストーリー付けといった戦略や、作り方や売り方を含めたマネジメントまで、座標軸を据えたプロデュース能力が重要という話。
マネーの獲得の重要性や、日本の美術界が内輪で自由にやっていて、ぬるい状態になってしまっていること、芸術を生むには欲望や業というようなものや、自分の中の核心を発表することが重要なこと、芸術の矛盾などを抱え苦しみながらも挑戦を続ける地獄や、挫折を乗り越えることが必要で、芸術を成すには怒りや劣悪な環境がいい環境だったり必要だというようなことも書かれている。

言説の細かいところをいえば、矛盾を感じるようなところがある。例えば、金額が評価の軸としてわかりやすくマネーが重要でニーズを捉え、欧米美術の文脈の中にいれていくことが重要なことをいいながら、自分の核心を表現することこそ芸術となるようなことや自分の興味を追求し究明していくことが共感を呼ぶようなこといっていたり（自分の核心の表現をニーズを満たすように表現、発表することがマネーを稼ぐことになるというようなことを言っていて、それほど矛盾ではないかもしれないが）している。
しかし、それは、言葉の表現の問題というか、そもそも、矛盾をはらんだ問題のなかで、いろいろ考えていることを表現した結果とも思える。

歴史を知り、文脈を理解することの重要性にも触れていて、結局は、欧米の異文化への瞬間的な驚きにうまく乗って、たまたま成功したのではないかという感じも捨てきれないものの、現代アートは非常にコンセプチュアルなものになっていて、ストーリー付けも言った物勝ちというか、優れた評論家に評論されたもの勝ちのような感じがするなかで、確かに成功しないと芸術は埋もれてしまうことから、プロデュース力も重要だと思った。
また、実際に評論などもあまり読まずに、聞きかじり情報から、村上隆の作品のイメージやプロデュース力でやっていくところや、オタク文化を美術的な価値あるものとして紹介した一方で、ナルミヤインターナショナルとの訴訟を起こすことへの矛盾などもあって、嫌いだったのだけど、欧米文化の中へ入れ込むのには、情けないような敗者意識や現実逃避のような平和で楽観的な子供っぽい多層文化と日本古来の汎神信仰からつなげられる「かわいい」キャラクター文化といったような位置づけの仕方や、訴訟問題も本人のなかでは、芸術を文脈中にいれることと、それを商業的に利用することとの違いや、権利確保がこれからの美術作家を擁護するというようなことをかんがえているのかなど、多少肯定的にも捉えられるようになった。

どうも、本を読むとその意見に影響されやすくて、肯定的に捉えようとしてしまうのだけど、まあ、いろいろな考え方を知るのはよいことだと思うので、この本は、文章自体は平易で読みやすく、読んでよかったと思う。

現代アートナナメ読み

暮沢剛巳著「現代アートナナメ読み 今日から使える入門書」（2008.7発行）を読んだ。

あとがきに、
現代アートの平易な入門書として企画されたものである。第１部「ゲンダイアートナナメヨミ」では、１５の関連キーワードを通じて現代アートの様々な側面にスポットを当て、第２部「アートの見方ナナメヨミ」では、多くの読者になじみの薄い美術評論家諸氏の解説やマッピングを、第３部「アートを観に行くナナメヨミ」では、美術館やパブリック・アートを紹介すると同時に、アートフェアやアートＮＰＯの簡単なガイドを試みるなど、「ナナメヨミ」というキーワードを軸に据えた多角的な内容となっている。（以上、あとがき　より）
とあり、現代アートの入門書とのことなので、現代アートはどうもよくわからないけど、なんとなく興味もあるので、読んでみた。

タイトルなど中身を読む前には、入門書ということで、代表的な作品を例に、批評家の意見や見方を例示したり、それらが発表されたときの状況や価値感の移り変わりなどを説明するようなものかと思った。

中身は、著者が書いたあとがきにある通りなんだけど、読んだ感じでは、第１部では盗作や国策、市場、観光、スポーツ、犯罪、医療、経営、をキーワードとして、関連した話題についての質問というか疑問に対し答える形式で、現代アートがいろいろな形で社会に関わっていることについて、事例などを挙げた説明がされ、第２部は現在の現代アートにいたるアートの評論状況や批評家ごとの事例などの説明となっていて、第3部は、美術館やカフェ、アートＮＰＯの紹介やアートの買い方など、アートを楽しんだり参加するための案内書のようになっている。

第３部は入門書としての役割を十分果たしていると思うものの、第１部はアートプロジェクトや作品がアートと社会の関わりを説明するための事例としてはでてくるものの、メインは社会との関わりの説明で、アートの入門書というより、文化人類学や社会学のアートに関するエッセイのような感じだと思った。
また、第２部は対談は、評論の現状ということで、知らない評論家や作品作家などが出てきてよくわからないところも多いものの、評論家と現代アートの状況、アート教育の現場の状況などを知ることができ興味深かったものの、評論家諸氏の解説は、美術評論そのものをそれほど読んだことがなかったため、用語や内容が難しく、ほとんど良くわからず、字面を追うだけというか、それこそ、ナナメヨミに終始した感じだった。

いわゆる入門書の持つイメージと異なるアートの入門書だったけど、現代アートという評価の定まっていないものを見るための関連知識の提示をしているという点では、読む価値はあったと思う。

アート・ウォッチング「現代美術編」

（別サイトと同じ内容）
最近、節約モードなため、図書館に行って、借りてきた本。
２０世紀後半の９０年代初頭までの代表的な作品について、素材感や、構成や、コンセプトなど、それらの作品が発する印象や、鑑賞者や作者、社会との関係性などへの疑問や意味合いなどの論評がされている。

アート・ウォッチング〈現代美術編〉 中村 英樹,谷川 渥 美術出版社 このアイテムの詳細を見る

図書館で借りた本なこともあって、発行は1993年なので、現代美術編といっても、もう15年も前になってしまっていて、今まさに、現れていたり現れつつあるものや方向性は網羅されていないものの、印象派やフォービズム、キュビズムといった２０世紀初頭に出現してきた抽象絵画より後、５０年代以降（取り上げられた最も古いものは１９４４年の作品なので、正確には４４年以降だけど、、、）の一般的に良くわからないと評されやすい、現代美術の作品について、その見方や考え方のヒントとなる本だと思う。
現代美術は、鑑賞者が積極的に作家がなにを言いたかったのかを考えたり、創られるプロセスを楽しんだり、あるいは、絵画や芸術、社会といった既存の枠組みに対する考えを迫るものとして捉えるなど、わからないというのではなく、楽しめばいいと思うので、くだらないとか、どこがいいんだかわからないとか、好き、嫌いといった単純な感想をもつだけでもいいと思うし、評論家等の意見は意見として、そういう見方もあるのかとか思うことで、いろいろなことを思ったり考えたりするのをより楽しめるようになるのではないかと思う。
序章は、アートウォッチングを始めよう。ということで、自由に見て感じ、感動しましょう。みたいな感じの始まりな割には、中の作品解説では、美術評論にありがちに思うけど、どうみれば、そこまで話が膨らむんだっていう感じや、言い回しが複雑で言っていることが良くわからない部分もあるけど、比較的、一般向けな読みやすい解説となっていて、それなりに、面白く読むことができた。

セルフ・エデュケーション時代

（別のサイトと同じ内容）
アート・リテラシー入門に引き続いて、といっても、こちらのほうが先に出版されているが、アートの批評や鑑賞を単なる受動的なものではなく、能動的で参加型のプロジェクトとしてみなすような流れと同様の方向性を持つ、セルフ・エデュケーション時代という本を読んだ。

practica〈1〉セルフ・エデュケーション時代 (プラクティカ (1)) フィルムアート社 このアイテムの詳細を見る

セルフ・エデュケーション、日本語に訳すと、自己教育、自己学習といったところか。タイトルからは、自分で教育していく時代という意味に思い、自分を律することが必要な時代であることとか、そのための方法などととれるが、この本は主としてアートの側面において、（アートそれ自体境界があいまいになってきているため、様々な分野に広がり、その分野に制限を設けてはいないが）、様々なマイノリティ参加型やコラボレーションプロジェクトを例に、個人が関わり試行錯誤するプロセスそのものをアートであり創造的行為としてとらえ、参加、あるいは行動することで、アートなどを捉える上で、単なる知識の積み上げではなく、全身の感覚や体全体で他との関係性も含めて把握あるいは巻き込まれることで、自分なりの表現、批評すること（それ自身が創造的な作品でありそのような学びや創造）をセルフ・エデュケーションとしているようである。

内容は、子供や障害者などのマイノリティから、地域参加、あるいは地域に関連したプロジェクト、教えるー教えられるといった関係ではないフラットな学びの場に関する議論や、知識の伝達ではなく、身体的、感覚的な行為も含めたもっとダイナミックで創造的な作業として、デザインやアートの教育を捉えるような立場など、様々な例や議論が紹介されている。
全体として、脱芸術、脱資本主義、脱権威、他者との関わりとプロセスそのものを創造的行為としてとらえ、学びの場とするといったことが議論されている。ただし、独善的になってしまわないような自己批判のようなことも書かれていて、ともかく、価値観を固定することなく、いろいろな枠をはずすと共に、他者を認めていくということの重要性を説いているように思う。

最近、突然無差別に刺すような事件が多く、そのようなことが社会背景から語られることも多いが、犯罪に走らない人もいるわけで、きわめて直情的な理由でいきなり犯罪に走るのは創造力の欠如と思えて、アートを通じたセルフ・エデュケーションは、他者との関係性を新たにしたり、想像力を養うことで、よりよい社会につながるのではないかと思ったりで、内容そのものが、広範囲にわたるため、用語的にも理解が難しい面もあるが、いろいろと考えるきっかけとなる話が多く、さらっと読み流せず、読むのに時間がかかった。

絵をみること

（別サイトと同じ内容）
絵を見ることとか、楽しいとか嫌いとかってどういうことかと思ったりして、アート・リテラシー入門という本を読んでみた。

アート・リテラシー入門―自分の言葉でアートを語る (Practica) フィルムアート社 このアイテムの詳細を見る

この本は表現方法や知識情報があふれ、ジャンルも多様化したアートを自分の力で読み、語るための指針やヒントを与えるもの。
アートの楽しみは、アートによって日常からの逸脱や価値観の揺さぶりが引き起こされ、日常にはない時空間を感じることにあって、鑑賞行為を受身な趣味的な行為ではなく、ひとつの直接体験としての能動的で創造的な行為として、自分の力で読み解き表現するというような主張は、私も興味のあるところ。
中身は、単に絵画や彫刻を例にした批評や読み解きだけではなく、写真や映画、音楽、ダンス、建築、文学など様々な側面を扱っている。
中心的な内容は、アートについて読み解き自分で書くための指針やヒントとしての解説で、読み解くという点では、それぞれの専門家が、感覚、あるいは、コンセプチュアルというか見方の多様性といった観点から、感じ方捕らえ方を解説や例示し、書くという点では、批評そのものや批評家の批評内容を批評し、自分の力で読み取り感じたものを表現するヒントを与えているように思う。
また、
フランスのアートリテラシーとして、フランスで定番となっているイメージ文化の入門書を元にした議論（議論というよりは、入門書の中身のイメージや概要の紹介）、
アメリカでの美術館のあり方の議論からでた、鑑賞者のための鑑賞者あっての美術館として、美術教育の重要性、美術館のありかたに関する報告、
生活領域へのアートの拡張などといったアートの周辺領域についての解説、
アートの必要性や現代アートとは？といったことのQ&A式での解説
などが書かれ、
比較的興味の薄かった分野や、言っていることが理解できない部分も多々あったが、全体としては、興味深く読めた。

印象派に続く抽象表現主義の絵画は好きなものの、絵を見てもつまらないとか、絵を見るのがだめだとかつまらないとか言う人に対して、きれいとか汚いとか、隙とか嫌いとかいろいろなことを自由に感じればいいんではないかとか言ったり思ったりしていたが、最近の現代アートがあまりにもコンセプチュアルというか、とってつけた屁理屈のように感じてしまう部分が多く、興味の薄い分野も食わず嫌い的なところが多く、絵が嫌いな人と同じ態度になっていたと自己認識したり、

アートの分野が広がり境界があいまいになっている現状や、アートの見方についてさらに考えようかという気になった。（本の中で言っていることが良くわからなくて、さらにほかの本も読んでみようかという気になったという面もあるが、、、）