森山大道 ミゲル・リオ=ブランコ 写真展を観てきた

東京都現代美術館に、「ネオ・トロピカリア：ブラジルの創造力」を観たあと、同時期に行われている企画展示、「森山大道　ミゲル・リオ=ブランコ　写真展」を観てきた。

こちらも、日本ブラジル交流年の関連事業だそうで、森山大道がサンパウロを、ブラジルを拠点に活動するミゲル・リオ=ブランコが東京を撮影し、その写真および、ビデオ作品が展示されていた。

写真は興味があるものの、あまり詳しくなく、森山大道の名前は聞いたことがあるというか、写真美術館で展覧会があるのを見かけたりしたことがあり、きっと有名な写真家なのだろうと思うくらいで、どういうところがいいのかとか特徴も知らないし、ミゲル・リオ=ブランコについては何も知らなかったので、ほとんど予見のない状態で素直に見れたように思う。

森山大道はサンパウロの街中やそこを行き交う人や棲む人などを撮影していて、白黒の写真はサンパウロの雑多な雰囲気や、人々の思いなどをある瞬間切り取った感じのする作品だと思った。

一方、ミゲル・リオ=ブランコは日本的？というか、変わったものをアップで撮影したり、いろいろなものをコラージュしたような写真で、非常に鮮やかな色にプリントされ、その大きさと共に圧倒される感じの作品が多かった。魚や、よろい、神社のような外から見た日本的なものなどもあるが、形それ自身造形的に綺麗だったり不可思議だったりするものを、非常に鮮やかに捉えている写真だと思った。

それぞれの写真を撮った場所などをビデオ作品としてまとめられていて、それも興味深く見ることが出来てよかった。

展覧会カタログは完売していて、写真に興味がある人には人気のある展覧会だったのだろうと思う。

ネオ・トロピカリア ブラジルの創造力 を観てきた

東京都現代美術館で、1/12まで行われている展覧会、「ネオ・トロピカリア：ブラジルの創造力」を観てきた。

ＢＲＩＣＳなど経済面での発展で近年注目されていて、ブラジル移民１００年ということもあって、書籍、雑誌、テレビ番組などで、移民の苦労や、その後のことなどの情報を耳にする機会が最近多かったように思う。この展覧会も、移民１００周年、日本ブラジル交流年を記念して開催されているよう。

カーニバルやサンバとかサッカー、熱帯雨林、などといった、他の要素から、明るくて陽気なイメージはあるものの、ブラジルのアートは、まったくといってよいほどイメージがなく、展覧会の概要などをチラシやＷｅｂで見て、明るい感じのブラジルアートをみてみようかと思って、観に行ってきた。

ブラジルでは60年代から、独自の文化創造を目指し「熱帯に住む者の文化のオリジナリティ」をうたった、トロピカリアという芸術運動が興り、トロピカルな色彩や生きることはアートそのものといった考えが反映したような、陽気な感じの作品が見られた。

ただ、そのような背景に加えて、最近のアーティストが多いこともあって、体験そのものがアートというような作品が多く、参加して楽しめる人はいいけど、遠慮がちというか離れて見てしまうし、なにかのイベントやパフォーマンスとなにが違うんだろうとか思ってしまい、あまり興味が持てないものも多かった。

個人的な好みが平面作品なので、あまり、インスタレーションとかビデオ作品には興味を持たないのだけど、今回は、あまりにいろいろな作品を見たこともあって、アトリウムに設置されたインスタレーションやビデオ作品が印象的だった。

アトリウムのインスタレーションは、エルネスト・ネロの作品で、天井からぶら下げた薄いストッキングみたいな布の中に、ソバがらやスチロールの粒のようなものを入れて、途中の重みで垂れ下がったようなものが多数ある作品で、大掛かりだけど有機的な柔らかなものが空間を侵食しているような感じで、不思議な空間を作っていた。
まあ、イベントなどで一時的に作られる変わった空間デザインとなにが違うっていう話もあるけど、２Ｆや３Ｆから見下ろしたり、Ｂ１Ｆから見上げたりすることが出来て、その雰囲気から伝わってくるイメージなどがなかなか印象的だった。

ビデオ作品ではアナ・マリア・タヴァレスという作家の作品で、細い柱の周りをスチールの穴あき板が多数、工事現場の足場のような感じで宙に浮いているような映像が続くもので、部屋に入ると両サイドの大きなスクリーンがあって、その両者に遠くまで続くような映像が流れていて、水中にいるような、宙にうかんだような感覚がする作品。
ビデオ作品は大抵、映像の示す内容や時間的変化とか物語性があって、全体を見なくてはいけない感じのものが多いので、平面作品が好きな私としては、あまり好きになれないのだけど、純粋に映像が綺麗だと思えるものや、視覚から伝わる感覚に訴えかけるようなものは、わりと楽しいかもしれないと思った。

他には、日系１世のトミエ・オオタケの青い火の玉みたいなものなど、抽象的な絵はなかなかいいと思った。個人的には好きなものではないけど、オスジェメオスの作品がなんとも不気味な感じもするのだけど、印象に残った。

近代美術館の 小松誠 展

近代美術館に展覧会を観に行った感想の続き（２Ｆのスペースでの展覧会の感想）です。

近代美術館の２Ｆのギャラリー部分では「小松誠　デザイン+ユーモア」展が行われていた。

小松誠は、磁器をはじめとするクラフトデザイナーだそうで、名前は知らなかったのだけど、
紙袋をそのまま形にした磁器や、くしゃくしゃっとしたタンブラーなどは、なにかで見かけたこともあり、似たようなものかもしれないけど、時々セレクトショップみたいなところで見かけるように思う。

ちなみに、楽天でも同様の小松誠デザインの製品を売っていた。
クランプルワイン-S　


インテリアショップや器などの店でときどき、いい感じのデザインのものとかを見かけることもあるけど、こうして、美術館でまとめて展示されると、また別の美術品の趣。
実際、デザイン的にいいと思っても実用には不便なものとかも多いから、その場合オブジェとして美術品の正確が強いと思うけど。

くしゃくしゃとした、代表作らしい、クリンクル・シリーズの磁器やガラス作品以外にも、ティーポットやカップ、一輪挿し、ドアハンドルなど、いろいろなものが展示されていた。
どれも、磁器やガラスの持つ、滑らかで繊細な感じで、シンプルな造詣。

ミニマルなデザインが冷たい感じになりやすいところ、クリンクル・シリーズは皺が寄ったような造詣で、柔らかいイメージになって、欲しくなる感じ。

他にも、木の根をイメージした一輪挿しや、何に使うか良くわからない、小さい枕のようなものや、マグリットやダリの作品をモチーフにしたものなど、副題にあるデザイン+ユーモアというのがわかるような作品が展示されていて、面白かった。

ここは、美術館の中の一部のスペースなので、それほど広くはないけど、前回来たときは、ここで、「壁と大地の際で」という展覧会を行っていて、その展覧会も結構よかったし、スペースが限られている分、テーマが明確になるのか、あるいは企画展ほど収入を気にする必要がないからか、入場料に対して満足感が高い。（ここ２回だけで判断できるわけはないのだけど）

小松誠デザインもの

Lemnos（レムノス）「CRINKLE（クリンクル）」


ceramic japanNEW CRINKLE SUPER BAGMサイズ


【一人でも美味しい酒の飲み方があります】遊器・盃（S）


【高級な国産セミクリスタル製品です】小松誠/ポ－セ8タンブラー

近代美術館に行ってきた。

国立近代美術館に、展覧会を観に行ってきた。

今回は、展覧会を見逃さないように出かけたというより、何か観に行こうと思っていて、近代美術館で行っている展覧会は見てなかったので、所蔵作品もいいものが多いから、前回のときとは展示も入れ替わっているだろうと思い観に行ってきた。

行われている展覧会は、企画展「沖縄・プリズム　1872-2008」、所蔵作品展「近代日本の美術」で、２Ｆでは「小松誠　デザイン+ユーモア」展を行っていた。

企画展は、琉球王朝として独自の文化を持つ沖縄、今回は沖縄の独特な文化というよりは、1872年に琉球藩設置によって、日本に編入されて以降の近代のうねりのなかで、この地に誕生し、生成しつつある造形芸術を検証する試みだそうで、沖縄出身の作家と本土から沖縄に向かった作家を織り交ぜ、内側の視点と外からの視点の違いを意識しつつ、様々なジャンルの作家の「沖縄」の作品により、沖縄という場所の意味と潜在力を問い、発信される未来の創造活動へのつなげることを目指しているそうです。

展示構成は３つに分かれていて、

第１章　異国趣味（エキゾティシズム）と郷愁（ノスタルジア）　1872-1945
　日本の版図に入ってからの沖縄がどのように見られ表現されたかを見せるもの
第２章　第２章　「同化」と「異化」のはざま　1945-1975
壊滅的な被害を受けたあと、米軍統治したでの軍事基地化、それに対する抵抗と復帰運動などを経て、日本復帰と沖縄博に象徴される本土資本流入など新たな日本化の仮定で、再度の日本への同化を異質性のもとに捉えなおすようなもの。
第３章　「沖縄」の喚起力
歴史・社会的な文脈ではなく、沖縄という場所の意味や可能性を、時間・空間的な枠組みを取り払って、より開放的な、多様な視点を織り交ぜたもの。

となっていて、
近代以降現在に至る歴史の上で、米国の支配下にあったり、本土復帰後も、軍事基地問題が続いていたり、いろいろな文化が否応なく入ってくることによって、互いを異質なものとした衝突は当然大きいのだと思うし、そういう衝突から新たな価値観や感覚の芸術は生まれてくるので、単に独自の文化を紹介するのではない視点はいいと思った。

ただ、個人的には、歴史自体にはあまり興味がなくて、絵画でもそうだけど物語性とかより、そこに描かれた形や色などに感動しがちなので、書籍や雑誌などの社会的あるいは文化的資料のような展示はあまり興味を持てなかったし、様々なジャンルを見られるのはよいけど、写真や映像作品が単なる記録ではなく、芸術作品としてどの程度すばらしいのかが良くわからず（木村伊兵衛の写真などもあるので、見る人がみればわかるのだろうけど）、沖縄に関連したものが集まっているという点では、流れがあるものの、企画展をみているというより、どこかの美術展を観に行ったときのような、ここのつながりのわかりにくい展覧会に思えた。

作品的には、鳥海青児、藤田嗣治、岡本太郎、木村伊兵衛、東松照明といった有名作家の作品もあったけど、個人的に良いと思ったのは、

与那覇大智の作品。

与那覇大智の作品は大画面に赤紫から青っぽい感じの光の大きなうねりというか波のような感じの作品で、抽象表現主義的な大画面に色がうごめく感じだけど、なかなか良い感じだった。

安谷屋正義の塔や、陶器の作品で、國吉清尚の華器や世紀末の卵
圓井義典の地面を拡大撮影して、緯度と経度がサブタイトルになっているものとか、
山城知佳子のビデオと写真？からなる作品も、ビデオで延々と流れる息遣いの音と共に印象的だった。ただ、写真のほうで口の周りに藻（アーサだと思う）がへばりついているところは気持ち悪くて、なければもっと良かった。（タイトルが「アーサ女」だし、それが重要なのかもしれないけど）

安谷屋正義の作品以外はどれも最近のもので、普段コンテンポラリーアートとかは、良くわからないのが多いのだけど、沖縄に関連したものでは、コンテンポラリーといえるくらい最近のものが感覚があう感じがした。

企画展を見終えると、アンケートをお願いしますということで、展覧会の内容や美術館の開館時間や料金などに答える比較的簡単なもの。
特に断る理由もないので、回答したら、粗品がもらえて、近代美術館の特製？鉛筆３本だった。
鉛筆を使うことなんて、最近めったにないけど、良かった。

セザンヌ主義 を観てきた

横浜美術館1/25まで行われている展覧会、「セザンヌ主義　父と呼ばれる画家への礼賛」を観に行ってきた。

象徴主義やナビ派、フォーヴィズム、キュビズム、エコール・ド・パリの画家たちに影響が見られるセザンヌ。日本の洋画家にも大きな影響を与えている。
人物画、風景画、静物画などに分けて、影響をみてとれる画家たちの絵とセザンヌの絵を並べ、比較したり、セザンヌのいろいろな作品の特徴を見られる展覧会だった。

あまり、セザンヌの絵をまとめて見たことはなくて、
セザンヌというと、サント＝ヴィクトワール山などの風景画や、りんごなどの果物や水差しがテーブルの上に載った静物画の印象が強く、乾いた感じの色彩で面的な配色で立体感を感じさせる風景画や、バランスよく配置された果物などが、淡い感じながらはっきりとした輪郭や色彩の静物画のイメージが強く、実際、水色っぽい色合いの中にアクセント的に赤みが買った色が使われているような、私の持つセザンヌのイメージと一致したものが多く展示されていた。一方、森や水浴の絵では、鮮やかな緑が使われていたり、印象派のような筆が細かく流れるように描かれている作品などもあって、少し新鮮な感じがした。

20世紀の画家として、いろいろな画家の作品と一緒に見ることはあっても、日本人の画家とセザンヌの絵を一緒に見た覚えはあまりなく、改めて見ると、安井曾太郎や有島生馬などの日本人画家とセザンヌの絵にとても似たものがあることがわかり興味深かった。

また、近代絵画の父とも呼ばれるだけあって、並置される作品は、シャガールやキスリング、モディリアーニ、ブラマンク、ピカソ、ブラック、ゴーギャンなどといった、20世紀の巨匠の作品であり、そのような影響がある作家の似た構図の作品を並べてみることで、似た点や相違が感じられて興味深く、比較することで、セザンヌの特徴が改めて明確になったような気がした。

これまで、セザンヌのどこが偉大なのかどうもよくわからなかったのだけど、セザンヌの特徴や、絵を書いていた頃の時代背景などをおもうと、その画風は、印象派の枠に留まらず、色彩や構図、面的配色や対象の幾何学的な構造の抽出などに、20世紀の様々な画風の萌芽が見られるように思え、そのあたりが偉大なのだろう思った。

ピカソ展（サントリー美術館のほう）を観てきた

サントリー美術館で12/14まで開催されている、「巨匠ピカソ　魂のポートレート」展覧会をみてきた。
同時開催の新美術館のほうの展覧会を見てから1ヶ月以上経ってしまって、開催期間も後半になってきたから、今日、都内に行く用事があったので、六本木まで足を伸ばして観に行くことにした。

こちらの展覧会は、自画像や少年の絵、男の頭部、画家や彫刻家、モデル、それにミノタウロスの絵などの展示となっている。
副題の「ポートレート」というには範囲が広いような気もするけど、基本的に人物が主題となっている作品を初期の青の時代から、キュビズムやシュールレアリズム的なものや晩年のものまで、いろいろな作風の作品がみられ、写真なども展示されていた。
こちらも、新美術館と同様、作風の変化がみてとれ、彫刻が作られたり、ミノタウロスが描かれるようになるなどの主題の変化もみられ、興味深い展示となっていた。

ただ、好みの問題なんだけど、今回は気に入った作品が少なくて、墨で書かれた男の頭部のキュビズム作品と晩年の奔放な感じの作品ぐらいで、新美術館のときもあまり気に入ったのがなかったものの、肖像画とキュビズム作品などに気に入ったのがいくつかあったけど、今回はじっくり見たくなるものがあまりなかった。

ピカソの絵は、一人でいろいろな変化をしていったように思うので、美術史的観点からは偉大な作家であることは間違いないとは思う。しかし、私の好みの問題なんだけど、どうも、人の顔にしたって、鼻筋がすっと通ったギリシア風？の顔立ちで、手足が大きかったりする絵が今ひとつ好きになれないし、絵として、じっと見ていたいと思えるような作品が少ないし、どうも訳わからないというか、なんかすきになれない作品が多い。

そういいながら、今回のなかで気に入ったもののひとつが、キュビズム作品であまり原形をとどめていない、訳わからないものなので、矛盾するし、パリのピカソ美術館も、バルセロナのピカソ美術館も観に行ってたりするのだけど、、、

まあ、ピカソ展ということで、絵を見るのが好きな私としては、観に行っておかないと、観に行っとけば良かったかなと思ってしまうだろうから、やっぱり観に行ったのだし、後悔するほど気に入らないわけではないというか、ピカソ作品の本物を年代の変遷と共にみれたのはよかった。

あと、新美術館のときはそれほど感じなかったけど、今回の絵を見ていて、ピカソって本当に絵を書くのが好きというか描かずにはいられなかったんだろうなっていう感じがして、純粋というか無邪気な人だったんではないだろうかって思ったりした。
特に晩年は奔放に描いている感じがするし、あまり、ストイックに細かく描きこむのとかって好きじゃなくって、感じるままにというか、書きたいように書いていったんではないかなという感じがした。

それと、展示内容とは関係ないのだけど、新美術館と場所的には近いかも知れないけど、そもそも、新美術館は貸しギャラリーみたいなもので、しかもあの展示スペースの広さがあれば、まとめて出来たのではないかと思うので、なぜ２つで同時開催の形にしたのかって気がする。
サントリー美術館がこれまでもピカソの作品や近代美術に関わってきていて、新美術館の企画にあわせて、実施することにしたというなら、わかるけど、サントリー美術館といえば、工芸品をはじめとする日本の美術や、日本との関係の深いものを中心とした、収集や企画展を開催してきたようなところだと思うので、なぜピカソ展って感じがする。

一方を見るともう一方の入場料が200円引きになるから少しは許せるけど。

会期も後半だったからか、平日だというのに、結構、混んでいたのも少し残念だった。

7月24日通り を読んだ

吉田修一著、7月24日通り(2004.12発行）を読んだ。

港のある地味な日本の地方都市に住み、リスボンの町並みに町のつくりを例えながら、日々を過ごしている地味な女性が、同窓生などに振り回されたり、少し自慢の格好よくてモテル弟が付き合っている地味な女に腹をたてる一方、同窓会で久しぶりにあった格好のいい同級生との出来事などの話。

自分は地味であまり人気がないのに、ぱっとしない人と付き合うのは嫌といったことや、逆に、格好よくて人気がある人が、一緒にいて安心するとかいって地味な人を好きになりながらも、格好いい人気者に気持ちが動くことなど、自分勝手だけど、ありがちな感覚が、素直にかかれている感じがした。
最後には、殻を破って、間違うことを恐れずに好きなほうに進んだのは、いい感じがした。